想いを言葉にのせて・・

新しい創作の扉を開こう

初心者も安心して通えます。

無料体験レッスン実施中です！

作詞コースのご紹介

Cubase／主に楽曲制作に使用しています。ProTools ／映像に対して音をつける作業(MA)、ミックスダウン、音声編集、レコーディングに使用しています。Ableton Live／主にダンスミュージックの制作に使用しています。何かわからないことやご質問がありましたら、いつでもお気軽にご相談ください。

「オリジナルで曲を作ったけど、DTMは初めてで使い方や録音の方法がわからない」という方も多くいらっしゃるかと思います。レッスンではただレコーディングを行うだけではなく、会員様がその後ご自身でレコーディングを行い、しっかりとスキルアップできるように指導したいですね。そのうえでCDを焼いたり、動画サイトへ楽曲を投稿したり、"形にする"までを丁寧にサポートいたします。

オンラインレッスンも行っており、自宅からのレッスンもしっかりとサポートいたします。DTMは現在でもテレワークなどで活躍する強力なツールであり、レッスンで学んだスキルはあらゆる場面で活用できます。DTMの編集画面はパソコンに大きな負荷がかかるため、PCのスペック次第ではオンラインレッスンをスムーズに行うことができない可能性があります。その場合はオフラインのレッスンをおすすめいたします。

「もうひとつ上のレベルに進みたいけど、何をしたらいいのかわからない」という方は、ぜひレッスンへお越しください。・レコーディングの品質を上げたい・楽曲のデザイン性を高めたい・ミックスダウンに自信を持ちたい・楽曲制作の効率を高めたい・プロになるために必要な技術を得たい…など、会員様の心からの願いに沿って、より踏み込んだレッスンを提供いたします。

DTMでの楽曲制作には多種のスキルが含まれています。1.歌や演奏を録音し、一音一音の素材を作るスキル2.素材を並べ、楽曲を形作るスキル3.各楽器のバランスを調整し、一つの楽曲にするスキル4.制作した楽曲を、使用するフォーマットに合わせ調整するスキル。すべてをこなす必要はありませんので、会員様にとって魅力的なスキルを習得していただき、それを活かして楽曲として"形にする"レッスンを提供いたします。

"ボーカルが主役の楽曲には、必ず歌詞がついています。 実際の楽曲制作の現場では、楽曲を制作したかたではなく、ボーカリストのかたが歌詞を書くような分業が行われていることも多いですが、 わたしのレッスンでは、ご希望いただければご自身の楽曲のデザインに合わせた作詞方法や韻の踏み方、詩に合わせた楽曲の制作方法などもレッスンいたしますのでお気軽にご相談ください。"

まずは「作りたい」という動機、その欲求があれば誰でも始められます。最近のテクノロジーではいきなり音を録音する手法もありますが、スキルアップのためには楽譜を書くという学習は必須です。楽譜について学ぶと和声法、対位法などの伝統的なテクニックを習得できます。作曲の学習は音楽を別の視点から捉える機会です。このジャンルは最も個性を求められるものでもあり、最も自分自身を表現し高めるジャンルといえるでしょう。

今まで自分で作ったものを含め、触れてきたすべてのメロディが心に残っています。一方で「心に残るメロディ」をどのように生み出すかの正解はありません。あえて言えば、そロディを自身の表現として生み出すことが最低限の基準でしょうか。別の視点で「心に残るメロディ」を考えてみると、音楽という芸術ジャンルの特徴を考察することに繋がります。「心に残るメロディ」の考察は非常に有益なテーゼであるといえるでしょう。

メロディを作る作業は誰にでもできることです。鼻歌まじりに歌う自己流のメロディを想像してもらえれば、その簡単さは理解していただけるでしょう。しかし、実際の音楽に昇華させるには少なからず知識と技術が求められます。過去の作曲家たちから学ぶべきことも多々あります。それらの作曲技法や和声法、管弦楽法について学んでいく中で、常に自分らしさを求められるという側面が作曲作業の苦しみでもあり、喜びといえます。

肉体的な問題、あるいは感性の限界がない限り音楽のスキルは向上させられます。会員様の目指すべきビジョンを明確にして、そこに至る道筋を提示します。目指すべきビジョンは「もっとうまくなりたい」や「もっと魅力的な音を出したい」など抽象的な表現に留まるケースが多くあります。それをできるだけ具体的なテーマに昇華させ、そのチャレンジがより魅力的に感じられるように導くことが大事だと思います。

DTM等のテクノロジーの発達には驚かされます。DTMのセットアップが必要ですが、それを手に入れれば誰でも気楽に音楽を生み出せます。ただし、簡単に音を作り出せる反面、その音楽をブラッシュアップするためにはより多くの知識とテクニックが要求されます。自宅で音楽を生み出す簡易さは現代のテクノロジーの喜びでもありますが、スキルアップするためにはぜびさまざまな音楽の知識、経験を学んでいただきたいです。

バンドの喜びは一人で演奏しているときとはまったく違う楽しさをもたらしてくれます。仲間達と一緒に生み出す音楽には、共に一つのグルーブを生み出すという格別の楽しさがあります。アンサンブルにおいては他の人の音を聴きながら合わせる、あるいは自分の音に合わせさせるなどのスリリングな体験を得られます。この体験は耳や感性を育てるために最も有益な方法でもあり、自身のスキルアップの近道とも言えるものです。

作詞とは、その曲を歌う人の「人間性の表現」の大切な一部でもあります。ですので、曲のなかで「何を伝えたいのか？」ということがとても大切になります。聴いている人が詩を聴くことで、頭の中に「あるドラマ」を描けるような内容であれば、より伝わりやすくなります。何かご不明点がありましたら、いつでもご相談ください。

風景が浮かぶ言葉とは、つまり聴いている人に頭の中で「映像」を浮かび上がらせるということだと思います。つまり、人間は「映像」と「映像」を分かち合い、それに伴う「感情」や「置かれた状況」を共有するといえるでしょう。それによって詩のなかで相手に伝えたい「想い」をより強く、より濃く、伝えることができるのです。

伝えたいことは誰にでもあるはずです。ただ、人によって、それがうまく伝えられるか、伝えられないかの違いがあります。その表現方法をむずかしく考えることはありません。目の前に親しい人がいるとして、その人に、「いつ？」「どんな場所で？」「どういう瞬間に？」「どう思った？」「これから、どうしたい？」と思っていることを伝えればいいのです。

より表現を印象深くしたり、「いい詩」と言われるような詩を書いたりするには「より多くの共感を呼ぶ内容」が求められます。そのため、自分自身が何かを感じる、心が動く瞬間を体験するなどの機会をより多く得ることが必要になってきます。同じ生活や行動をしていても「何かを感じる感性を磨く」ことが詩の内容をレベルアップさせることにつながるのです。

どのような方向性で進み、どのようなことを歌い、どのような人達から共感を得るバンドを目指すのかを見極めることが大切です。そのうえで、どのような詩を作るのか、作曲としてはどのような方向に進むのか、そして、どのようなサウンドにするのかを見極めていきましょう。その結果、バンド自体も発展、成長していくでしょう。そのような点をアドバイスしていきます。

自宅で曲を制作するにしても、作る際には「誰かに向けて作る」という気持ちが大切です。その気持ちがなければ、できてくる曲が聴いてる人に伝わりにくくなってしまいます。ですので、詩を作る際にも、曲を作曲する際にも、アレンジを考える際にも、目の前に誰かがいて、その人に伝えるような気持ちで制作するのが大切だということを伝えます。

初めてステージに立った感覚は一生忘れられないものです。未だに緊張はしますが、初めてはとんでもないくらい緊張しました。ただ、それ以上に人前で歌う、ステージに立つあの感覚が忘れられないから、今も僕はステージに立ち続けています。自分のために歌うのではなく、「届ける」を実感できる、そして自分の知らない自分に会いに行く感覚でしたね。それがあるからこそ、ライブといわれるのではないかと思っています。

美空ひばりさんの「愛燦燦」です。日本語の美しさを見事に「愛燦燦」という音で体現していて、すごく心に残っています。誰かの心に残るメロディを歌うには、対話だと思って歌うことが大切です。会話をしていても感情込めて放つ言葉とそうでない言葉じゃ明らかにわかるかと思います。歌も一緒で、感情表現がメロディの輪郭を表す、つまり誰かに語りかけることで心に残るメロディになるのではないかと思います。

楽器と歌を同時になんて「難しい！」と思いますよね。僕も最初は弾きながら歌うのが大変でした。僕は楽器から練習を開始します。歌いたい楽曲のコードを覚えるところからスタートして、コードや譜面を見ないでもコード弾きができるようになれば、あとは歌うだけ！順序立ててレッスンするのでご安心ください。慣れてきたら、歌詞の上にコードを書いてもらうようにしています。

チャレンジしていくうちに、歌えるようになっていく楽曲がどんどん増えていくと思います。そのできるようになったを止めない、そして新しいできたを実感してもらえるために技術（フェイク、ビブラート、ロングトーン、がなりなど）を基礎に紐付けて、習得してもらいます。そのうえで歌に色をつけていくレッスンをしていきます。

まずは歌いたい楽曲の歌詞の意図を理解することが大切です。「人はなぜ歌を歌うのか？」という問いに、いつも僕は「人の気持ちは100%理解することはできない、だからその代弁として楽曲があり、人は歌を歌う」と答えています。つまり心で伝えたいことを言葉にする手段として、歌は選ばれてきのです。楽曲の歌詞の意図を理解すれば、自分の言葉、形、声で、すべてを伝えられると思っています。

バックバンドをつけて初めてステージに立ったのはzeppの舞台でした。2,000人近くいる前で歌う態勢のリハーサルは初めて。返ってくる音も圧も空気も、音源で歌うのとはまったく違うものでした。生音でしか感じることのできない感動や気持ちよさは計り知れないものです。ヴォーカルにはバンドを引っ張っていくプレッシャーがありますが、場を回している感覚や、主役感など、音楽としての至高もあります。

主にstudioone

オリジナル曲を初めて作る場合は少し大変かもしれません。しかし、誰もが最初はそうですので、私が少しでも寄り添って楽しくオリジナル曲を作れるようにレッスンいたします。私も最初は独学で作曲を学んだため、大変だった記憶がありますが、このときの孤独感をわかっているからこそ、少しでも気持ちに寄り添っていけると思っています。

最近は自宅で制作するのが当たり前になってきています。初めての方には最低限必要な機材などをおすすめします。どんな些細なことでも構いませんので、ぜひご質問ください！また、最初は無料の音源を使い、少しでも楽しみながら制作ができるようにバックアップします。まずは気楽にチャレンジしてみましょう。楽しいですよ！

会員様が自分で作った曲や、何かを参考にして作った曲にさらに磨きをかけましょう。ミキシングやマスタリングといった細かいボリュームや、音を左右に振り分けるパンニングの作業、イコライザーの処理など、細かいことも説明していきます。会員様の曲がしっかりと完成するまで責任持ってサポートするので、ご安心ください。

英会話と同じで、曲のなかの楽器がどのような動きをしているかなど、今までの感覚とは違う感覚で音楽を聴いてみましょう。そうするうちに、だんだんと作曲への礎が大まかに身についていきます。そして、その後のレッスンでその大まかな感覚を言葉にしていきます。具体的に理解ができていけば、誰でも作れるものだと思っています。

ポップスは基本的な基礎の部分が多いので、最初は既存の曲を真似しながら、どんな工程で作られているのかなどを理解していきましょう。そうしていくうちに、いずれ自分自身で作る曲に活かせられるようになります。そして、だんだんと作るのが楽しくなっていくと思います！私自身もポップスは好きなので、ぜひお気軽にご相談ください！